“Minha filha de cinco anos vai desenhar do mesmo jeito”: como começar a entender a arte e o que você deve saber para isso
Miscelânea / / November 24, 2023
Fatos interessantes sobre pintores e dicas sobre como conhecer bem as pinturas.
Sempre tratamos as obras de artistas ou escultores de forma subjetiva, pois não existem padrões rígidos de criatividade. A crítica de arte Nikita Monich disse aos ouvintes do podcast Science Pulverizer como aprender a compreender a arte e se é possível acreditar em estereótipos sobre a vida e o trabalho dos criadores.
Nikita Monich
Crítico de arte, dirige o canal no YouTube “Sobre Cultura”, dá palestras e realiza excursões em Madrid.
Um artista realmente precisa estar com fome?
Questão complexa. Muitas vezes nos deparamos com esse estereótipo. Mas vamos substituir a palavra “artista” pelo nome de outra profissão. É verdade que um matemático, um mecânico, um ministro ou um presidente deveriam viver na pobreza? Se cada um de nós pensar no seu próprio negócio, provavelmente chegaremos à conclusão: “Certamente trabalho para não passar fome”. E os artistas tratam o seu trabalho da mesma forma.
Também vale esclarecer o que significa “artista profissional”.
Qual é a diferença entre um hobby e uma profissão? Gastamos dinheiro com hobbies, mas ganhamos dinheiro com profissão. Assim, artista profissional não é alguém que possui um diploma ou dois diplomas, mas trabalha como testador ou entregador de pizza. Artista profissional é aquele que ganha dinheiro com sua criatividade.
Nikita Monich
Mas acontece que a obra de um pintor só recebe uma avaliação digna após a sua morte. Existem muitos criadores que viveram vidas pobres e morreram incompreendidos. E eles não tiveram tempo de ver que suas pinturas estavam em demanda. Portanto, os historiadores da arte acreditam: se as obras do pintor passaram a ser altamente valorizadas, então ele pode ser considerado um profissional que deu uma contribuição significativa à arte.
É claro que um artista não precisa passar fome, mas às vezes é forçado a viver na pobreza. Acontece que a sua visão de mundo, as mensagens que tenta transmitir através das suas obras, não repercutem em quem compra os quadros. Isso geralmente acontece com inovadores. Ou com aqueles que recebem reconhecimento apenas durante um curto período da sua vida criativa. Então esses mestres realmente continuam com fome.
Mas felizmente conhecemos muitos artistasque tiveram sucesso. Eles entenderam muito bem o que seus contemporâneos precisavam. E também poderiam acrescentar uma nova visão às abordagens tradicionais. Mas fizeram-no em doses - para que a sociedade pudesse aceitar as suas decisões inovadoras.
Tal reconhecimento foi alcançado por Raphael, Rubens e posteriormente por Marc Chagall, Salvador Dali, Pablo Picasso.
Mas há outros exemplos – digamos, Klimt e Schiele. O primeiro teve uma carreira brilhante e foi o artista de maior sucesso em Viena. O segundo é seu aluno. Ele viveu uma vida curta e infeliz e só recebeu reconhecimento no final.
Portanto, acontece que o lema do artista passa a ser a frase l’art pour l’art – “arte pela arte”. E o dinheiro tem que ganhar de outra forma. Foi o que fez o famoso da Vinci, por exemplo.
Leonardo da Vinci, quando queria comer, construir uma carreira e, em princípio, ser um membro digno da sociedade, candidatou-se ao serviço do duque de Milão. E ele disse: querido duque, eu sei construir fortificações maravilhosas, geralmente sou urbanista.
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Podemos separar as lendas dos artistas dos fatos?
Continuemos falando de Leonardo e vejamos sua Mona Lisa. Existem muitas lendas em torno desta famosa pintura. Por exemplo, acredita-se que o artista contratou músicos para que a modelo não ficasse entediada enquanto ele a desenhava. E o famoso sorriso de Gioconda apareceu justamente graças a essa música. E em geral, a artista só pintou os lábios da menina há 12 anos.
É difícil separar os fatos da especulação aqui. Não sabemos quase nada sobre como realmente funcionou da Vinci e seus contemporâneos. Sim, podemos, por exemplo, estudar os diários de Leonardo. Mas dar sentido às suas anotações não é uma tarefa fácil.
Milhares de páginas contêm listas de compras, reflexões sobre a natureza da pintura e uma ideia de como fazer uma hélice. Aqui o peixe foi embrulhado, aqui está a mão, aqui está a perna desenhada. Em suma, não sabemos muito sobre Da Vinci a partir do seu próprio testemunho.
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Conhecemos as biografias de Leonardo e de seus contemporâneos a partir dos registros do artista e crítico de arte Vasari. Mas não sabemos com que precisão os fatos estão refletidos nessas obras, que se tornaram canônicas.
Por exemplo, Vasari descreve as sobrancelhas da Mona Lisa. Mas não há sobrancelhas na tela. Além disso, estão ausentes não apenas na versão final. Sob a camada externa, se você estudar a imagem por meio de um raio-x, as sobrancelhas também não serão visíveis. Acontece que o próprio Vasari não viu essa foto e “Rabinovich cantou” para ele, ou a viu, mas escreveu sobre ela de memória e se enganou.
Mas também há fatos dos quais temos certeza. Leonardo escreveu La Gioconda durante muito tempo e tratou-a com emoções especiais. Ele começou a trabalhar após receber a encomenda em 1467. Aí ele nunca entregou o quadro ao cliente e levou-o consigo por muito tempo. Após 40 anos, Leonardo voltou a trabalhar. Talvez ele tenha acrescentado apenas algumas pinceladas – mesmo com a ajuda de raios X não podemos dizer exatamente em que ano cada pincelada específica foi aplicada. Mas sabemos que o artista concluiu a pintura muitos anos depois do início da obra.
"Mona Lisa" acabou na coleção real de pinturas da França sob Francisco I. Ele comprou após a morte de Da Vinci. Mas foi encomendado por pessoas completamente diferentes e não chegou ao cliente, porque todos os prazos foram descaradamente perdidos.
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Quem os artistas realmente desenham em seus retratos?
Parece que a resposta é óbvia: aqueles que lhes servem de modelo. Mas se falarmos da Mona Lisa, podemos ouvir muitas especulações sobre quem Leonardo realmente queria retratar. Alguns acreditam nisso mesmo. Ou mesmo Cristo.
Na verdade, não é muito importante quem serviu de modelo para a foto. Muitas vezes um retrato é apenas uma imagem. Digamos que a pessoa na tela seja muito parecida com aquela que posou. No entanto, cada pintura é também um retrato do próprio artista. Mas não porque ele sempre pinta sua aparência.
Não é a forma que importa aqui, mas o conteúdo. Ou seja, a mensagem, o significado que o artista coloca em cada uma de suas obras. E esta mensagem depende inteiramente do criador.
Qual o papel das mulheres na arte clássica?
Freqüentemente, elas se tornavam musas dos criadores. Mas eles raramente conseguiam receber uma educação clássica e se tornar artistas.
Esta é uma das razões da limitação. Qualquer pintura ou escultura é um objeto sensorial. A criatividade sempre esteve associada à sexualidade. Isto é em grande parte sublimação, isto é, a direção da energia sensorial em outra direção criativa. E nós sabemos disso artistasAqueles que criaram a arte clássica frequentemente pintavam figuras femininas nuas. Para tanto, modelos posaram para eles.
Porém, nos séculos passados era impossível sequer pensar em uma garota desenhando um homem nu. Ela não podia nem estar no mesmo quarto que ele.
Mas isso não significa que as mulheres não tenham influenciado de alguma forma a arte. Pelo contrário, sem eles dificilmente teria atingido um nível elevado.
Recentemente o Museu do Prado realizou projeto El Prado em feminino. Seus criadores fizeram um vídeo em que todas as pinturas que a mulher encomendou, comprou ou fez parte do acervo da mulher desapareceram das paredes do museu. E como resultado, quase todas as principais obras-primas desapareceram das salas do museu no vídeo.
Porque enquanto os homens irritam uns aos outros nos arbustos, as mulheres desempenham uma tarefa muito mais importante: montar seu espaço de vida, criar os filhos e em geral - são responsáveis pela face do regime, da corte real, e assim por diante Avançar.
Nikita Monich
Pode uma pessoa comum, e não um especialista, compreender a arte contemporânea?
Qualquer pintura, escultura, obra de arte decorativa e aplicada, melodia é uma mensagem. E é transmitido em algum idioma. Isso significa que para decifrar esta mensagem é necessário saber o idioma em que ela é transmitida.
Quando uma pessoa vê algumas pessoas ou objetos em uma imagem, muitas vezes lhe parece que tudo está claro. O espectador pode pensar: esta é uma bela mulher desenhada de forma realista - o que não está claro nisso? Mas ele não vê as alegorias, não sabe que história está criptografada na imagem, não reconhece as citações literárias associadas a ela. Se ele vir santos, talvez não saiba por que eles são famosos, quais são seus atributos próximos ou por que esses atributos eram necessários. E no final não entende a mensagem que o artista queria transmitir.
Mas a pessoa conclui: “Eu entendo isso, porque tem gente aqui. Mas aqui só tem manchas, minha filha de cinco anos vai desenhar do mesmo jeito - não entendo.”
Quando alguém diz que seu filho de cinco anos pode fazer isso, nem sempre é verdade. A arte não é um objeto. A arte é uma relação que nasce entre o espectador e o objeto ou não. E se nasce a pessoa fica tipo: “Ah, arte!” E se não nascer, ele fica tipo, “Isso não é arte”.
Nikita Monich
Mas para que um relacionamento surja, você precisa entender exatamente o que lhe foi dito. Se a frase soar na língua de um estranho linguagem - por exemplo, em vietnamita ou húngaro - ele não perceberá nada. E ele não receberá a mensagem, mesmo que seja extremamente importante e possa mudar sua vida.
Concluímos: compreender a arte significa conhecer bem a linguagem que o artista fala. Se você não entende essa linguagem, será impossível ouvir o artista.
Como aprender a entender a arte
Vale a pena entender exatamente o que você gosta e com o que se identifica. Para fazer isso, você precisa tentar coisas diferentes. É como acontece com os produtos: você pode comparar vários tipos de suco e depois decidir que ainda gosta mais de cerveja. Mas primeiro você precisa experimentar cada bebida.
Se você começou a se familiarizar com arte, lembre-se de duas regras:
- O interesse pela imagem começa com a segunda visualização. Se você quiser olhar novamente, significa que há algo nele.
- Não tenha medo de spoilers. Antes de ir ao museu, você pode ler sobre isso. E veja as 20 a 30 obras-primas que estão armazenadas lá. São fáceis de encontrar, por exemplo, na plataforma Google Artes e Cultura.
A princípio basta olhar as fotos, folhear as páginas - na primeira etapa isso é o suficiente. Ao mesmo tempo, abra em novas abas aquelas telas que chamaram sua atenção. Então olhe novamente para essas obras e leia sobre elas.
Mais tarde, quando for ao museu, vá direto às pinturas que lhe interessam. Ou seja, para telas já familiares. Isso é necessário para que você não desperdice seu recurso mais valioso - a atenção.
Um ponto muito importante: não tente assistir tudo. “Tenho quatro horas, há 400 salões do Louvre pela frente - agora vamos descobrir” - Deus me livre! Há mais de 100 anos, o termo “fadiga do museu” foi cunhado. Isso simplesmente irá surpreendê-lo; você ficará sem espaço livre em seu disco rígido.
Nikita Monich
Portanto, observe apenas o que você planejou com antecedência. E então tente destacar três obras de tudo o que você viu:
- O que você mais gostou.
- O que você mais não gostou.
- O que você achou mais estranho.
Então pegue seu smartphone e ligue-o alarmepara que toque em cinco minutos. É muito importante não olhar para a tela todo esse tempo, então que seja um despertador, não um cronômetro. E fale com a imagem selecionada por cinco minutos. Certifique-se de falar em voz alta, apenas baixinho - você ainda está em um museu. Fale em um ritmo médio, sem repetição. Continue até o alarme tocar.
Quando tocar, você descobrirá uma grande quantidade de coisas novas sobre esta imagem. É como se você rompesse algum tipo de membrana translúcida de um estereótipo. Ao fazer isso com três pinturas como algum tipo de ponto de referência, você estabelecerá as bases.
Nikita Monich
Bem, se você repetir essa técnica toda vez que visitar uma nova exposição, com o tempo você acumulará experiência perceptiva. E você poderá interpretar melhor a arte.
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