Uma breve história do cinema de meados do século 20 até a atualidade: um trecho do livro de Anton Dolin
Livros Cinema / / December 28, 2020
O apogeu do cinema de autor
A partir de meados da década de 1950, cineastas e cineastas surgiram em todo o mundo, cada um com seu próprio estilo e estilo. Alguns respeitam-se, outros, pelo contrário, desprezam e a maioria constrói o seu próprio universo artístico, habitado por associados e admiradores.
Os anos 1950-1970 viram o auge da popularidade do cinema de autor: as pessoas assistem, proíbem, exaltam, discutem ferozmente sobre ele, escrevem artigos e livros inteiros. Pela primeira vez, os teóricos estão falando seriamente sobre o cinema como uma arte que não é inferior a seus irmãos mais velhos - teatro, literatura, pintura ou música.
Na União Soviética, apesar da censura, um autor intransigente filme e artistas únicos: Andrei Tarkovsky, Elem Klimov, Aleksey German Sr., Kira Muratova.
Dez filmes para experimentar:
- Tokyo Story, 1953, Yasujiro Ozu, Japão;
- Seven Samurai, 1954, Akira Kurosawa, Japão;
- The Word, 1955, Karl Theodor Dreyer, Dinamarca;
- O Sétimo Selo, 1957, Ingmar Bergman, Suécia;
- "Adventure", 1960, Michelangelo Antonioni, Itália;
- La Dolce Vita, 1960, Federico Fellini, Itália;
- A Clockwork Orange, 1971, Stanley Kubrick, Reino Unido / EUA;
- Beauty of the Day, 1967, Luis Buñuel, França;
- Fear Eats the Soul, 1973, Rainer Werner Fassbinder, Alemanha;
- Mirror, 1974, Andrei Tarkovsky, URSS.
Nova hollywood
Essa tendência do cinema de autoria americana foi influenciada em parte pela cinematografia europeia e asiática e pelo movimento dos festivais. Seu nascimento está associado à abolição do código de censura Hayes, que prescrevia regras estritas sobre o que é permitido e o que não pode ser exibida no cinema, e com a crise do sistema de "estúdio" americano, afogado em auto-repetição e cansaço espectadores.
Os jovens cineastas-espectadores se sentiam parte da comunidade cultural mundial. Eles abandonaram todas as restrições e exploraram as áreas tabu da vida americana. Ao mesmo tempo, seus filmes foram populares e receberam casa cheia, foram indicados para prêmios de cinema e os venceram.
Substituídos as questões sociais e a pesquisa do trauma do americano comum nos filmes de New Hollywood as leis cinematográficas convencionais do cinema de gênero com sua obrigatoriedade e, muitas vezes, de serviço fins felizes.
Cinco filmes para experimentar:
- The Graduate, 1967, Mike Nichols, EUA;
- Easy Rider, 1969, Dennis Hopper, EUA;
- The Godfather, 1972, Francis Ford Coppola, EUA;
- Wicked Streets, 1973, Martin Scorsese, EUA;
- "Scarface", 1983, Brian De Palma, EUA.
Blockbusters
Em meados da década de 1970, ocorreu uma revolução comercial no cinema americano e depois no mundial. Jovens imigrantes de New Hollywood George Lucas e Steven Spielberg eles fazem filmes de gênero incrivelmente populares para um público jovem que quebram todos os recordes de bilheteria. Deste ponto em diante, a América está gradualmente mudando da produção em massa de cinema sério para público adulto para filmes de entretenimento adolescente - verdadeiras máquinas comerciais para ganhar dinheiro dinheiro. Eles são chamados de "blockbusters" - literalmente "destruidores de bairro".
Os sucessos de bilheteria ainda são a espinha dorsal do poder dos estúdios de Hollywood e da vitalidade da indústria cinematográfica americana.
Cinco filmes para experimentar:
- Jaws, 1975, Steven Spielberg, EUA.
- Star Wars, 1977, George lucas, EUA.
- Alien, 1979, Ridley Scott, EUA.
- The Terminator, 1984, James Cameron, EUA.
- Die Hard, 1988, John McTiernan, EUA.
Pós-modernismo
Esta palavra assusta muitos. Por outro lado, ninguém é capaz de descrever de forma breve e clara o que significa isso. Por outro lado, tantos estudos e livros foram escritos sobre ele que muito se quer dizer.
No cinema, manifestações claras do pós-modernismo são o desrespeito ao sistema de hierarquias (tanto de direitos autorais quanto comerciais cinema), ironia que permeia tudo, citações onipresentes dos clássicos do cinema, falta de moralismo e instrutivo. Além de uma mistura de gêneros e estilos, não distinção entre "alta" arte e cultura de massa, a inclusão do espectador na visto como uma espécie de jogo cultural em que é solicitado a adivinhar o que realmente tem preste atenção ao autor.
Desde meados da década de 1980, o pós-modernismo dominou a cinematografia em todo o mundo.
Dez exemplos para experimentar:
- Blue Velvet, 1986, David Lynch, EUA;
- "ASSA", 1987, Sergey Solovyov, URSS;
- "Mulheres à beira de um colapso nervoso", 1988, Pedro Almodóvar, Espanha;
- Nikita, 1990, Luc Besson, França;
- Sonatina, 1993, Takeshi Kitano, Japão;
- «Romance policial», 1994, Quentin Tarantino, EUA;
- Dead Man, 1995, Jim Jarmusch, EUA;
- Breaking the Waves, 1996, Lars von Trier, Dinamarca;
- Funny Games, 1997, Michael Haneke, Áustria;
- “About Freaks and People”, 1998, Alexey Balabanov, Rússia.
Festivais
Os primeiros festivais de cinema começaram a ser realizados ainda antes da Segunda Guerra Mundial. A mostra de cinema mais influente foi Veneza, fundada em 1932 por iniciativa pessoal do ditador Benito Mussolini. O Festival de Cannes foi concebido para ser realizado no final da mesma década como uma alternativa e contrapeso ao Festival de Veneza, onde as ideias fascistas estavam se tornando cada vez mais influentes. Os planos não estavam destinados a se concretizar: a guerra começou. Como resultado, o primeiro Festival de Cannes ocorreu em 1946.
As mostras de cinema mais importantes da Europa são tradicionalmente consideradas os festivais de Berlim (fevereiro), Cannes (maio) e Veneza (Agosto-setembro), os mais prestigiados são seus prêmios: "Urso de Ouro", "Palma de Ouro" e "Leão de Ouro" respectivamente. Além disso, festivais famosos são realizados há muito tempo em Locarno e Rotterdam, Karlovy Vary e San Sebastian, Toronto e Busan.
Existem mais festivais internacionais de cinema no mundo do que dias por ano.
Vinte vencedores do festival para experimentar:
- Rashomon, 1951, Akira Kurosawa, Japão (Veneza);
- "Pay for Fear", 1954, Henri-Georges Clouzot, França (Cannes);
- "12 Angry Men", 1957, Sidney Lumet, EUA (Berlim);
- Viridiana, 1961, Luis Buñuel, Espanha (Cannes);
- Ivan's Childhood, 1962, Andrei Tarkovsky, URSS (Veneza);
- The Umbrellas of Cherbourg, 1964, Jacques Demy, França (Cannes);
- Hospital Militar de Campo, 1970, Robert Altman, EUA (Cannes);
- The Canterbury Tales, 1972, Pier Paolo Pasolini, Itália (Berlim);
- "Ascent", 1977, Larisa Shepitko, URSS (Berlim);
- All That Jazz, 1980, Bob Fosse, EUA (Cannes);
- “Nome: Carmen”, 1983, Jean-Luc Godard, França (Veneza);
- "Paris, Texas", 1984, Wim Wenders, Alemanha (Cannes);
- Red Gaoliang, 1988, Zhang Yimou, China (Berlim);
- Barton Fink, 1991, Ethan e Joel Coen, EUA (Cannes);
- The Piano, 1993, Jane Campion, Nova Zelândia (Cannes);
- Long Live Love, 1994, Tsai Mingliang, Taiwan (Veneza);
- Spirited Away, 2002, Hayao Miyazaki, Japão (Berlim);
- Still Life, 2006, Jia Zhangke, China (Veneza);
- “4 meses, 3 semanas e 2 dias”, 2007, Cristian Mungiu, Romênia (Cannes);
- "Tio Boonmi que lembra suas vidas passadas", 2010, Apichatpong Weerasetakun, Tailândia (Cannes).
A propósito
Quem precisa de festivais e por quê?
Muitos acreditam que se trata de uma espécie de "feira de vaidade" que existe apenas para o efeito da fofoca - roupas para andar no tapete vermelho. Na verdade, os festivais de cinema são uma espécie de mecanismo que oferece uma alternativa ao sistema de aluguel e publicidade dos estúdios de Hollywood (bem como seus análogos ao redor do mundo).
Um júri profissional e críticos de cinema assistem a filmes completamente novos (geralmente pertencem à área do cinema de autor) e escolhem os mais talentosos. O mundo inteiro saberá disso: tanto a intriga em torno do prêmio quanto a coluna de fofocas ajudam. Paralelamente aos festivais, existem os mercados cinematográficos, onde se concretizam os negócios de venda e compra de filmes, não só comerciais e de género, mas também de autor, vanguarda e experimentais. Quase todos os diretores importantes da história do cinema do pós-guerra se tornaram famosos por meio de festivais.
"Oscar"
A humanidade tem certeza de que o maior prêmio no campo do cinema é o Oscar, e é impossível convencê-lo. Mas o Oscar é um prêmio industrial puramente americano, em cujas coordenadas limitadas é frequentemente toda a cinematografia imperceptível: afinal, apenas filmes lançados no ano são premiados EUA.
Talvez eles atribuam tanta importância ao prêmio porque o Oscar é um show espetacular. Ou porque o mais famoso
as estrelas do mundo são Hollywood. Mas acima de tudo, é claro, porque o cinema americano é o mais popular do mundo.
A razão é simples. Os franceses fazem filmes para os franceses, os dinamarqueses para os dinamarqueses, os indianos para os indianos, os chineses para os chineses e os russos para os russos. Existem exceções a esta regra, mas são raras e insignificantes. E só Hollywood faz filmes não para americanos, mas para o mundo inteiro.
Vinte melhores filmes do Oscar para experimentar:
- It Happened One Night, 1935, Frank Capra, EUA;
- E o Vento Levou, 1940, Victor Fleming, EUA;
- Rebecca, 1941, Alfred Hitchcock, EUA;
- All About Eve, 1951, Joseph Mankiewicz, EUA;
- Ben-Hur, 1960, William Wyler, EUA;
- The Apartment, 1961, Billy Wilder, EUA;
- West Side Story, 1962, Robert Wise e Jerome Robbins, EUA;
- Lawrence da Arábia, 1963, David Lin, Reino Unido;
- Midnight Cowboy, 1970, John Schlesinger, EUA;
- "The Godfather - 2", 1975, Francis Ford Coppola, EUA;
- One Flew Over the Cuckoo's Nest, 1976, Milos Forman, EUA;
- Annie Hall, 1978, Woody Allen, EUA;
- Platoon, 1987, Oliver Stone, EUA;
- Rain Man, 1989, Barry Levinson, EUA;
- «Silêncio dos Inocentes», 1992, Jonathan Demme, EUA;
- Lista de Schindler, 1994, Steven Spielberg, EUA;
- Forrest Gump, 1995, Robert Zemeckis, EUA;
- Titanic, 1998, James Cameron, EUA;
- No Country for Old Men, 2008, Ethan & Joel Coen, EUA;
- Birdman, 2017, Alejandro Gonzalez Iñarritu, EUA.
O conhecido jornalista e crítico de cinema russo Anton Dolin escreveu um livro para crianças e adultos, onde analisou questões importantes sobre o cinema. Por que assistimos a filmes? Como entender a linguagem cinematográfica? E se você estiver entediado? Como o cinema está mudando e o que será dele em um futuro distante? Um bônus muito bom - as ilustrações para a publicação foram desenhadas por Konstantin Bronzit, um artista, animador e indicado ao Oscar.
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