Como os cineastas ajudam os espectadores a amar seus filmes
Cinema / / December 30, 2020
Na maioria das vezes, quando se fala de cinema, as pessoas falam sobre o enredo e a atuação. Claro, esses são componentes importantes de qualquer filme. Mas acontece que você não consegue tirar os olhos de uma imagem, embora a ação se desenvolva muito lentamente, e outra história rapidamente se torna chata, apesar dos muitos eventos. Alguns autores conseguem fazer o espectador acreditar nas curvas mais fantásticas, enquanto outros fazem até situações reais como brinquedos. E é muito bom assistir a algumas fitas, enquanto outras são difíceis.
Acontece que, além da trama e dos atores, existem muitos truques técnicos interessantes com a ajuda dos diretores que ajudam o espectador a sentir a ação e a curtir o que está acontecendo na tela. Essas sutilezas podem nem ser notadas, mas ainda assim afetam muito a percepção da imagem.
Espectro de cores
A primeira coisa a notar é que as cores nos filmes muitas vezes não são as mesmas da vida real. Pode ser bastante óbvio (por exemplo, se a imagem é em preto e branco) ou você não percebe imediatamente. Mas não é coincidência.
Criando uma atmosfera
Com a ajuda das cores, você pode transmitir melhor a atmosfera do que está acontecendo, criar um clima para o espectador e até mesmo mostrar os sentimentos dos próprios personagens.
Por exemplo, pegue a popular franquia “X-Men». Na série principal de filmes, a imagem brilhante e rica lembra os quadrinhos. E ao contrário deles em noir "Logan", onde falam sobre a velhice e o cansaço do herói, as cores mais claras são escolhidas.
No filme "Mad Max: Fury Road", a maior parte da ação se passa em uma área quente do deserto. É lógico que a foto foi tirada em tons de amarelo-laranja, que fazem você sentir o sol escaldante e a secura.
Para maior clareza, você pode pegar um quadro e alterar o esquema de cores. Parecerá imediatamente que esfriou.
Para criar uma imagem contrastante, os sucessos de bilheteria modernos e, em geral, o cinema de massa são feitos mais azul e laranja.
E aqui está o famoso Wes Anderson adora uma paleta rosa suave. Dá ao espectador a sensação de um antigo filme romântico. E tudo o que acontece é percebido com mais calma e facilidade.
Quando desejam criar uma atmosfera de futuro e fantasia, também costumam ficar azuis. E eles adoram especialmente as cores neon, que estão firmemente conectadas na cabeça do espectador com o cyberpunk e a tecnologia.
Nem preciso dizer que os autores filmes de terror prefira cores escuras. Há várias razões para isso. Claro, isso é em parte uma forma de bombear a atmosfera. Muitas pessoas já têm medo do escuro, e nos filmes de terror também há monstros escondidos nele.
Além disso, uma imagem escura permite ocultar ligeiramente as imperfeições dos gráficos ou da maquiagem e economizar na produção. É verdade que há um perigo nisso: se você escurecer demais o quadro, o espectador pode simplesmente não ver o que está acontecendo na tela, especialmente em um cinema ruim ou em uma TV antiga. Por exemplo, foi esse o caso do filme Slenderman de 2018.
Embora alguns diretores originais possam jogar em contraste. Por exemplo, Ari Astaire em “Solstício”Mostrou a atmosfera típica de um filme de terror: os heróis se encontram em uma aldeia isolada, onde coisas terríveis estão acontecendo.
Mas, ao mesmo tempo, a imagem é muito clara, quase não há cenas escuras nela e as roupas dos heróis são brancas como a neve. E isso torna tudo ainda mais terrível, porque não há onde se esconder do horror.
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Separando peças de plotagem
Um filme pode ter vários filtros de cores diferentes. Eles são usados para separar as histórias mais claramente. E com o talento certo, essa abordagem ajuda a iluminar a imagem.
Um ótimo exemplo é “Matriz». O logotipo desta fita foi feito com símbolos de código verde, denotando o programa em que as pessoas vivem. Por isso tudo o que acontece no mundo virtual foi filmado por um filtro esverdeado. E os eventos reais são mostrados em azul.
E apenas no final da terceira parte, quando as pessoas e as máquinas firmaram um acordo de paz, as cores azul e verde puras aparecem no quadro ao mesmo tempo.
No filme Christopher Nolan Personagens "iniciantes" mudam do mundo real para um sonho, depois para um sonho em um sonho e assim por diante. Para separar mais claramente as "camadas", o diretor escolheu seu próprio esquema de cores para cada uma delas.
No primeiro nível de sono, tudo é filmado em uma paleta azul, o segundo é amarelo, o terceiro é branco. E só no último sonho todas as sombras voltam a se reunir, como no mundo real.
Em Blade Runner 2049 Denis Villeneuve cores diferentes refletiam tanto a localização quanto o estado interno do protagonista.
Tudo começa com o personagem de Ryan Gosling vagando na névoa, então ele passa por um deserto laranja quente, futurismo neon e uma inundação noturna. E a história termina em um fundo branco como a neve, refletindo calma e purificação.
Recusa de cor
Era uma vez todos os filmes eram Preto e branco. Simplesmente porque não sabiam fotografar de outra forma e era possível colorir as molduras apenas à mão. Então, surgiram os filmes coloridos e a cinematografia se tornou muito mais realista.
Mas, ao mesmo tempo, a fotografia em preto e branco não é completamente uma coisa do passado. Eles ainda são usados para fins artísticos. Por exemplo, para delinear diferentes mundos ou histórias.
Assim, em O Mágico de Oz, 1939, a cor aparece quando Dolly entra no mundo das fadas.
Em "Stalker", de Andrey Tarkovsky, as cores também estão ausentes na vida cotidiana dos heróis. E quando os personagens entram na "Zona" mística, o mundo se torna brilhante - é aqui que as pessoas realmente se revelam.
Ou tudo a mesma coisa Christopher Nolan na fita "Lembre-se" mostrou uma parte da ação na ordem direta, e a segunda - no oposto. Portanto, metade do filme é filmado em cores e a outra em preto e branco.
Além disso, uma imagem em preto e branco permite que certos detalhes sejam enfatizados de forma mais vívida simplesmente adicionando cor a eles. Pela primeira vez, Sergei Eisenstein fez isso pintando manualmente a bandeira do navio de guerra Potemkin de 1925.
Posteriormente, essa técnica foi usada em gêneros completamente diferentes. Na "Lista de Schindler" Steven Spielberg o aparecimento de uma garota com um casaco vermelho torna-se um dos momentos mais emocionantes.
E mesmo no filme de quadrinhos Sin City, essa abordagem é usada repetidamente, com ênfase no batom vermelho, olhos brilhantes ou sangue.
Construção de quadro
Regra dos terços
Um dos princípios fundamentais do cinema e fotografia. Isso é algo como uma regra simplificada da "proporção áurea".
É simples: ao fotografar, a tela é dividida em três partes vertical e horizontalmente. Os elementos mais importantes para a trama devem estar localizados nessas linhas, bem como em suas interseções. Isso tornará mais fácil para o visualizador se concentrar nos pontos desejados.
Coloque em um quadrado
Se você dividir condicionalmente o quadro ao meio ou em quatro partes iguais, poderá fazer o espectador compreender sem palavras o lugar que o personagem ocupa na história.
Esta técnica é mais claramente vista na fita "Drive" Nicholas Winding Refna. Por exemplo, se o rosto do personagem principal é mostrado no canto superior esquerdo, e no próximo quadro outro personagem aparece no mesmo lugar, então esta é uma dica de que os personagens serão rivais.
Além disso, o mesmo Refn pode contar duas histórias em paralelo: nas partes superior e inferior da tela, ou nas metades esquerda e direita. O espectador pode não perceber esse movimento, mas ainda assim a percepção dos personagens será mais completa. Além disso, é simplesmente lindo.
Simetria
Outra técnica psicológica e estética ao mesmo tempo. Muitas vezes, as fotos em que a metade esquerda reflete a metade direita são feitas apenas para fins de beleza.
Mas às vezes eles transmitem a oposição dos personagens. E se o herói se olhar no espelho, vai mostrar seu lado sombrio ou a diferença entre os sonhos e a realidade. Em uma palavra, qualquer alegoria que se possa pensar para reflexão.
Canto holandês
Para mostrar a instabilidade do principal herói, suas dúvidas sobre algo ou problemas de memória, usam uma técnica muito visual. "Ângulo holandês" significa que a câmera não está disparando em linha reta, mas inclinada. Muitos exemplos dessa abordagem podem ser encontrados nos filmes de Danny Boyle.
O espectador não está habituado a olhar a imagem de um ângulo, por isso percebe melhor o estado de desconforto da personagem.
No entanto, é importante observar a medida aqui. Por exemplo, o desastroso filme "Battlefield: Earth" foi filmado inteiramente em ângulo. Mas em uma hora e meia, o espectador provavelmente terá apenas um pescoço dolorido.
Atirando de baixo e de cima
Outra das técnicas simples, mas eficazes, que permite transmitir o sentimento próprio dos heróis. Então você pode mostrar, por exemplo, quem é o dono da situação. E então as fitas imediatamente vêm à mente Quentin Tarantinoonde os personagens olham para dentro do porta-malas.
E atirar de cima faz você sentir que o herói se sente inseguro. É engraçado como eles interpretaram na famosa cena do filme "What Men Talk About", onde o personagem Kamil Larin, como uma criança, dá desculpas ao porteiro de um restaurante caro:
Diálogo e movimento
Ação de fundo
Uma técnica usada com mais frequência em comédia ou terror. Em primeiro plano, nada de interessante acontece. E o mais importante se desdobra no fundo, que pode ser escurecido ou desfocado.
Por exemplo, o personagem principal do filme “Zumbi chamado sean"está indo para a loja. Tudo é muito mundano para ele. E no fundo há um verdadeiro apocalipse:
Dependendo do gênero e da apresentação, isso pode criar um efeito muito engraçado ou uma tensão - muitas vezes, os gritadores principais estão escondidos em filmes de terror.
Conversas em andamento
O tipo mais comum de diálogo em filmes é que os personagens sentam e conversam. Nesse caso, a câmera tradicionalmente alterna entre os rostos.
Mas se a cena ficar muito longa, então visualizador canse da repetição constante dos mesmos ângulos. Portanto, bons diretores complementam ou mudam o cenário de tais cenas.
Portanto, nos filmes de Quentin Tarantino, os personagens falam quase que constantemente. Mas o mestre não deixa você ficar entediado, porque os diálogos podem ocorrer enquanto você dirige. Devido à constante mudança de fundo, a ação não parece monótona.
E mesmo que os personagens estejam na mesma sala, a câmera não muda assim. Ela pode se mover entre eles, criando o efeito de presença e até mesmo de participação na conversa. Quase todos os personagens podem ser vistos sem edições desnecessárias.
Nicholas Winding Refn consegue usar o jogo já mencionado com cor e reflexão em uma conversa simples. Em Drive, o primeiro diálogo dos protagonistas parece muito simples.
mas ao mesmo tempo o personagem Ryan Gosling está sempre com um fundo azul (este esquema de cores o acompanha ao longo do filme). E a heroína Carey Mulligan está nas paredes laranja. E isso mostra que algo os separa, embora estejam próximos.
A regra de 180 graus
Há mais um ponto importante durante a filmagem. Se você mover a câmera mais de 180 graus ao alterar o ângulo, o visualizador ficará confuso. Por exemplo, quando o herói está correndo, parece que ele se virou e está se movendo na direção oposta.
E isso é igualmente importante mesmo durante os diálogos. Para não criar a impressão de que todos no quadro se moveram abruptamente, o operador e o diretor escolhem uma certa linha além da qual a câmera não deve ir.
É curioso que uma violação deliberada dessa regra possa ser usada apenas para confundir o espectador, para mostrar a confusão do herói. E com a devida imaginação, os autores criam cenas mais inusitadas. Por exemplo, uma conversa Gollum Comigo mesmo. O personagem é simplesmente mostrado de lados diferentes, mas isso cria o efeito de que há dois alto-falantes e estão em diálogo.
Recursos de instalação
A montagem permite que você torne a ação do filme mais dinâmica, “pulando” os momentos chatos da vida e permitindo que você veja o que está acontecendo de diferentes pontos de vista. Sua forma mais simples é a narrativa. Ou seja, os eventos no quadro ocorrem um após o outro. Isso foi explicado com mais clareza em O homem do Boulevard des Capucines.
Mas você pode mostrar os acontecimentos do filme de uma forma diferente, e para isso eles usam várias técnicas.
Instalação paralela
Ao contrário da narrativa sequencial, às vezes os autores querem que o público veja o que está acontecendo ao mesmo tempo em lugares diferentes. E depois diretores consulte a fiação paralela.
Isso torna a trama mais agitada. Mas é preciso cautela. Afinal, se você mostrar por sua vez as cenas que ocorrem simultaneamente, pode ficar com a impressão de que cada uma delas dura mais.
Um exemplo notável de edição paralela malsucedida é "Furious-6". Os heróis estão tentando escapar em um avião que está passando pela pista, os carros os perseguem e uma luta acontece dentro do transatlântico.
Os autores demonstram tantos eventos ao mesmo tempo que na tela o avião parece acelerar por pelo menos 15 minutos. Nem preciso dizer que isso mata todo o realismo da situação?
Christopher Nolan, por outro lado, é amplamente considerado um mestre da edição paralela. O diretor o usa em muitas de suas obras, mas The Beginning é o melhor exemplo. Os eventos em diferentes níveis de sono ocorrem simultaneamente e em taxas diferentes (no sono mais profundo, o tempo passa mais devagar).
Aqui, a já mencionada separação de cores é adicionada à ação e o espectador não se confunde com o que está acontecendo, mas percebe toda a globalidade dos acontecimentos.
Aliás, é interessante que no filme "Dunquerque" Nolan seja ainda mais espirituoso com essa técnica. Mostra paralelamente os eventos que ocorrem na terra, na água e no ar. Na verdade, a cronologia é completamente diferente e tudo converge apenas no final.
Flashbacks e Flash Forwards
Às vezes, os autores incorporam suas memórias do passado - flashbacks - na história linear dos personagens. Podem ser flashes muito curtos de alguns segundos ou histórias inteiras.
Grande amante de tais momentos - Jean-Marc Vallee. Assim, ele adiciona tensão às cenas aparentemente calmas. Ou deixa claro que o personagem está enganando alguém: ele diz uma coisa, mas algo completamente diferente aparece em suas memórias.
Não é difícil adivinhar que os flashforwards são as mesmas histórias, mas do futuro. Eles são usados com menos frequência, geralmente em histórias de fantasia ou místicas. Sobre tal técnica, até mesmo uma série inteira foi construída, onde, durante um determinado eclipse, cada pessoa viu algum momento de sua o futuro.
E mais adiante na trama, todos estão tentando descobrir as razões do que aconteceu e entender o significado de suas visões. A série foi nomeada assim: Flashforward (na tradução russa - "Lembre-se do que vai acontecer"). É verdade que ele durou apenas uma temporada.
Jump-cut
Esta técnica já se aplica à edição linear. Isso significa uma transição nítida entre as fotos. Eles o usam para finalidades completamente diferentes.
Em Little Shop of Horrors, de Frank Oz, essa edição ajuda a mostrar a longa e enfadonha passagem do tempo.
Mas Lars von Trier, que também costuma usar o jump-cut em suas obras, transmite o estresse emocional e a instabilidade psicológica dos personagens dessa maneira. Fotografar assim deixa a imagem mais "nervosa". Na fita "Idiots", isso é muito apropriado:
Edição de forma e som
Para que os diferentes eventos mostrados no filme sejam percebidos como continuação uns dos outros, os autores costumam usar coincidências visuais. Ou seja, os contornos de algum objeto em um quadro são repetidos no próximo. E às vezes pode parecer muito espirituoso.
Da mesma forma, você pode "prender" o espectador com som. O grito continua o apito do vapor, e o barulho industrial é substituído música o mesmo ritmo. Ou o chiado de um cano danificado se transforma em um estalo de carne assada.
Além disso, o som pode estar ligeiramente à frente ou atrás do que é mostrado na tela. Isso é feito para tornar as cenas mais conectadas. Ou seja, o espectador ainda ouve a fala e farfalhar do quadro anterior, mas a ação já mudou. Ou vice-versa.
Falta de instalação
Esta é uma jogada ousada: os diretores filmam longas cenas sem nenhuma edição, ou escondem de várias maneiras.
Isso torna o que está acontecendo na tela mais realista, dá ao espectador uma noção do ritmo da própria história. Mas, é claro, essa abordagem requer muito mais ensaio e investimento. Afinal, durante o processamento, você pode cortar pequenas coisas malsucedidas.
Assim, Joe Wright no filme "Expiação" mostrou uma cena de cinco minutos com a evacuação das tropas de Dunquerque durante Segunda Guerra Mundial. Na multidão, 1.300 pessoas estiveram envolvidas, com equipamentos movendo-se no quadro e explosões ocorrendo ao fundo. É essa abordagem que transmite toda a escuridão e caos do que está acontecendo.
As tecnologias modernas permitem um manuseio mais preciso da instalação. E isso ajudou Alejandro Gonzalez Iñárrit a atirar em Birdman. Nele você nem percebe imediatamente que toda a ação é mostrada em um quadro contínuo.
Na verdade, a montagem está lá, mas escondida. As colas são feitas quando a câmera passa por algum elemento escuro.
E a "Arca Russa" de Alexander Sokurov parece ainda mais forte. A ação se passa em l'Hermitage, e o diretor teve um dia para as filmagens. Portanto, ele decidiu tirar a foto sem colar.
Foram sete meses de ensaios com 800 figurantes. Como resultado, a partir da terceira tomada eles rodaram um filme inteiro com duração de 1 hora e 27 minutos.
Na verdade, existem muito mais sutilezas desse tipo. Mas muitos deles já exigem um conhecimento profundo de direção e cinematografia. Esses são apenas exemplos simples que podem ser vistos em muitos filmes. E quando você olhar para a próxima foto, certamente ficará impressionado com o "canto holandês" ou um quadro longo sem edição. Mas isso não vai quebrar a magia cinematografiapelo contrário, tornará a visualização ainda mais interessante.
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